A um interlocutor que lhe perguntou “O que educa e instrui?” (“Was bildet?”), o grande pedagogo alemão Hartmut von Hentig respondeu “Tudo!” (“Alles bildet!”). A elegante simplicidade desta resposta desconcerta por duas razões. Primeiro, porque rejeita abruptamente as tentativas de elitismo ao afirmar claramente que tudo, sim tudo, inclusive trivialidades, educa e instrui! Em seguida, porque nos lembra que não há apenas uma, mas uma miríade de maneiras de se instruir. Conceitos de educação e instrução muito variados nos são apresentados pelas inúmeras culturas que moldam o ser e o futuro da civilização – o rosto da humanidade. Educar e instruir, portanto, não é simplesmente despejar conhecimento sobre ignorantes mais ou menos motivados, mas incentivar a observar em vez de apenas ver, ouvir em vez de apenas escutar, e se tornar um agente em vez de permanecer um espectador da vida – a sua e a dos outros. Em suma, é agir.
Alguns podem se perguntar se von Hentig não está sugerindo veladamente que, em última análise, e salvo algumas exceções, somos apenas o sujeito, o objeto e o resultado das correntes sociais, culturais, econômicas e políticas que condicionam o mundo e aos quais nos submetemos mais ou menos (in)conscientemente. O pedagogo não está insinuando que essas correntes praticamente moldam nosso caráter e comportamento sem que percebamos? – Certamente não, pois isso seria negar o livre arbítrio, a iniciativa pessoal e a responsabilidade individual. Portanto, seria dizer exatamente o oposto do que von Hentig queria expressar.
Afirma que tudo educa e instrui é lançar um desafio à razão e à vontade de cada um: “Veja: coloco à sua disposição tudo o que é necessário para a formação da sua mente, o desenvolvimento da sua inteligência e o florescimento da sua criatividade. Agora cabe a você escolher o seu caminho e avançar, com os recursos que possui e os instrumentos que lhe ofereço! É sua responsabilidade e será sua honra.”
É claro que ninguém dirigiu este discurso pomposo e solene ao jovem René Mayer, quando ele buscava seu caminho às cegas. E ele mesmo, tão pragmático como é, nunca teria dissecado, analisado e resumido sua situação dessa forma…! Mas o fato é que ele, como todos nós, viveu mais de uma vez episódios de apreensão, incerteza e dúvida em seu ambiente familiar e social, assim como em seu percurso escolar e profissional. Momentos em que ele questionava a pertinência de suas escolhas, a validade de suas habilidades, a confiabilidade de seus sentimentos. E mais tarde, o significado e a qualidade de sua arte. No entanto, esses momentos – que para outros seriam oportunidades de ruptura ou quase ruptura – nunca o quebraram. Pelo contrário: eles o fortaleceram! Pois, sem estar explicitamente consciente, ele vivia de acordo com a famosa fórmula de Friedrich Nietzsche: “Was mich nicht umbringt, macht mich stärker” (“O que não me mata me torna mais forte”). Sua estratégia? Assumir o controle da situação, enfrentar o problema, superar os obstáculos, recuperar-se – vencer! Q.E.D.
Com a maturidade chegando, René Mayer não diminuiu o ritmo para se aposentar na inútil e fútil insensatez de uma aposentadoria dourada. Aproveitando sua experiência de vida, ele continuou (e continua) sua busca humana e artística, abordando com entusiasmo contínuo, uma confiança nunca abalada e um otimismo inabalável os desafios que surgem em seu caminho. Uma de suas máximas favoritas não é “A paixão nunca se aposenta!”
Quando se estabelece um objetivo, é tão importante conhecer o ponto de partida quanto saber onde se quer chegar. Porque há um itinerário a definir e isso exige pontos de referência claros. No entanto, muitas são as pessoas que embarcam no oceano da vida com a ambição de o atravessar gloriosamente, mas que, por falta de terem definido os pontos de referência (e muitas vezes também os instrumentos) necessários, acabam por se encontrar a balançar e a rolar em alto mar em barcos sem remos, sem leme, sem bússola e sem proteção contra as vicissitudes do tempo…!
Acostumado desde a infância a ser vigilante e a contar apenas consigo mesmo, René Mayer desenvolveu na juventude um pragmatismo humanista que se baseia numa conceção ao mesmo tempo empírica e positiva, mas sem ilusões, do mundo. Esse realismo vem acompanhado de uma percepção lúcida dos obstáculos e perigos. Naturalmente, isso não implica que seja pusilânime. Pelo contrário: sendo de temperamento audacioso, sempre considerou o risco como um elemento estimulante, dinamizador. Portanto, quando René Mayer decidiu entrar no mundo das artes, não se lançou simplesmente de corpo e alma e de olhos fechados no desconhecido. Ele assumiu um risco calculado – e, de certa forma, contratou um seguro de risco ao fundar uma pequena empresa dedicada às artes da mesa, cujos rendimentos garantiriam a segurança financeira necessária para se dedicar serenamente às suas experimentações artísticas. O conceito funcionou perfeitamente. Graças à sua perspicácia sempre alerta, ao seu entusiasmo comunicativo e à sua capacidade de antecipar as tendências, mas também (senão principalmente!) graças à gestão administrativa e financeira muito prudente de Karin Bosshardt – a parceira profissional, com quem fundou nos anos 1970 a Mayer & Bosshardt -, a empresa estabeleceu-se em poucos anos entre os líderes do seu mercado. Tornou-se uma sociedade anônima em 1990, sob o nome de Mayer & Bosshardt AG.
Tudo começou nos anos 1960, quando René Mayer se matriculou no curso preparatório da Escola de Artes Aplicadas de Basileia (hoje Escola de Design). O curso preparatório é um curso propedêutico para estudantes do ensino secundário I e II que desejam se formar nas áreas de arte e design. Ele fornece aos futuros estudantes o conhecimento necessário para abordar com sucesso as classes profissionais das escolas de artes e ofícios.
O ensino na Escola de Artes Aplicadas foi um verdadeiro catalisador para a criatividade de René Mayer. Foi nos cursos e trabalhos práticos da escola que ele descobriu tudo o que em breve marcaria sua arte, começando pela teoria das cores do pintor e professor suíço Johannes Itten (1888-1967), cujo círculo cromático é famoso em todo o mundo. As teorias das cores descrevem o efeito psicológico das cores sobre o ser humano e explicam como dominar as cores na criação artística e gráfica. Existem muitas versões, de autores tão diferentes quanto Isaac Newton, Wolfgang von Goethe, Wassily Kandinsky ou Robert Delaunay. Mas foi a teoria de Johannes Itten que mais impressionou René Mayer. O objetivo de Itten, que foi “mestre” (esse era o título dado aos professores) na Bauhaus de Weimar de 1919 a 1923, era liberar a criatividade e desenvolver as habilidades artesanais dos alunos. René Mayer, para quem arte e artesanato andam de mãos dadas, destaca ainda hoje a importância desse ensino em seu desenvolvimento artístico. Johannes Itten encerrou sua carreira na direção da Escola de Artes Aplicadas, do Museu de Artes Aplicadas e da Escola Profissional Têxtil de Zurique.
Ao longo do curso preparatório, René Mayer notou que apenas quatro ou cinco de seus colegas estavam realmente engajados. Identificado rapidamente pelos professores, esse pequeno grupo foi fortemente encorajado por eles. A ajuda dos professores se explica, em primeiro lugar, pelo fato de eles próprios serem artistas e, em segundo lugar, pela vontade da escola de estimular a criatividade em todas as suas formas, a fim de manter a reputação pioneira que havia conquistado com dificuldade. Esses professores seguiram o exemplo e o incentivo de Joseph Beuys (1921-1986), que encorajava seus pares a se envolverem no ensino. Beuys, artista conceitual alemão, membro do movimento Fluxus e professor na Academia de Belas Artes de Düsseldorf, iniciou na década de 1960 uma revolução na pedagogia da arte. Por um lado, ele acolhia em suas aulas todas as pessoas que desejassem se dedicar à arte, mesmo que não tivessem as qualificações oficialmente exigidas, e, por outro lado, incentivava os artistas a se envolverem pessoalmente no ensino da arte, conforme sua famosa frase: “Lehrer zu sein ist mein grösstes Kunstwerk” (“Ser professor é minha maior obra de arte”).
O escultor austríaco Alfred Gruber (1931-1972) foi um desses professores inspirados por Beuys. Ele havia emigrado para a Suíça em 1955 e se estabelecido em Dittingen, no cantão de Basileia-Campagne, com sua esposa – também artista – Jacqueline Gruber, nascida Stieger. Alfred Gruber lecionou na Escola de Artes Aplicadas (hoje Escola de Design) de Basileia a partir de 1963. Quando o casal Gruber deixou Dittingen para se mudar para a Grã-Bretanha, em 1972, eles entregaram a casa e o ateliê para outro artista imigrante: o tcheco Čeněk Pražák.
Alfred Gruber colaborou com o escultor suíço Albert Schilling (1904-1987) e com Hans Arp, conhecido mundialmente por suas esculturas com formas orgânicas. Com sua esposa Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Jean Arp participou dos movimentos dadaísta e surrealista. O Museu de Arte Moderna e Contemporânea de Estrasburgo possui muitas de suas obras.
Professor tão motivado quanto atípico, Alfred Gruber costumava receber discípulos em seu ateliê nos finais de semana, construído com a ajuda deles no coração da pedreira abandonada de Schachental. Um ateliê onde se discutia com paixão, se experimentava freneticamente… e se divertia alegremente!
Além do ensino genérico na Escola de Artes e Ofícios de Basileia, é inegável que o legado da Bauhaus, expresso na teoria das cores de Johannes Itten, nos projetos de cadeiras de Marcel Breuer, nos princípios arquitetônicos de Ludwig Mies van der Rohe e na racionalidade dos objetos de uso comum ou na precisão das obras de arte de outros protagonistas da Bauhaus, foi o que mais profundamente influenciou René Mayer.
Uma pequena anedota sobre Marcel Breuer, que foi aluno e depois professor na Bauhaus. Ele é o criador da famosa cadeira B3 “Wassily”, assim chamada porque teria sido feita para Wassily Kandinsky, que sonhava com uma poltrona Chesterfield. As poltronas Chesterfield são assentos ingleses robustos e pesados em couro. A B3 tem as dimensões de uma Chesterfield, mas é ultra leve, pois é construída em aço tubular com assento, encosto e braços de couro. Breuer teria presenteado Kandinsky com uma B3, dizendo: “Aqui está sua Chesterfield. Eu apenas removi tudo o que caracteriza a Chesterfield!”. Se não for verdade, é bem inventado…
A Bauhaus é uma escola de arquitetura e artes aplicadas fundada em 1919 em Weimar pelo arquiteto Walter Gropius. A instituição foi transferida em 1925 para seu edifício emblemático em Dessau e finalmente exilada em 1932 em Berlim-Steglitz. Seu último diretor, Ludwig Mies van der Rohe, fechou-a em 1933 sob pressão das autoridades nazistas, que viam na instituição um foco de bolchevismo e “arte degenerada”. A atividade da Bauhaus girava em torno de dois credos que influenciaram profundamente René Mayer. Um deles, formulado por Walter Gropius em 1919, afirmava: “O objetivo de toda atividade plástica é a construção! […] Arquitetos, escultores, pintores, todos devemos voltar à arte dos ofícios!”. Essa vontade de valorizar as artes aplicadas, então consideradas como artes menores que não poderiam rivalizar com as belas-artes em termos de prestígio, está perfeitamente alinhada com a essência de René Mayer, que ainda hoje afirma que, no fundo, é um artesão.
O segundo grande lema da Bauhaus também foi formulado por Walter Gropius, mas em 1923. Ele assinalou a conversão da academia à estilística industrial (hoje chamada de “design”), uma disciplina que estava apenas em seus primórdios e à qual a produção em massa – que cada vez mais devorava e desvalorizava os ofícios tradicionais – prometia um futuro brilhante. O novo lema de Walter Gropius: “Arte e técnica – uma nova unidade” (“Kunst und Technik – eine neue Einheit”). Foi desse lema que surgiram as formas geométricas simples e depuradas, que caracterizam o que às vezes é chamado de “estilo Bauhaus”. É nesse contexto que devemos entender seu interesse por artistas como Oskar Schlemmer, Kandinsky, Lyonel Feininger ou Laszlo Moholy-Nagy, todos associados à Bauhaus.
Maar René Mayer is niet alleen een aanhanger van geometrische nauwkeurigheid. In tegenstelling tot zijn interesse in de combinatie van techniek en design, waardeert hij ook de organische, biomorfe kant van de antroposofische architectuur zoals geïmplementeerd door Rudolf Steiner in het Goetheanum (het hoofdkwartier van de antroposofische beweging en zo genoemd ter ere van het wetenschappelijke werk van Goethe, dat Steiner bewonderde). Het Goetheanum, gelegen in Dornach, ongeveer tien kilometer van Bazel, is omringd door villa’s gebouwd in dezelfde stijl. René Mayer deelt geenszins de antroposofische leer van Rudolf Steiner, maar het unieke architecturale concept van de “antroposofische wijk” van Dornach heeft hem gefascineerd. Een fascinatie die werd versterkt toen hij zag met welke vastberadenheid de mensen die in deze gebouwen wonen en werken, hun vrije tijd aan kunst besteden. De antroposofische architectuur maakt deel uit van de organische architectuurstroming die aan het begin van de 20e eeuw in de Verenigde Staten werd geïnitieerd door de grote architect Frank Lloyd Wright. Wright’s doel was om architectuur te dienen als een totale visie op het leven – om een architectuur te bevorderen waarin kunst, wetenschap en spiritualiteit samenkomen in een harmonie van vorm en functie om een “totaal kunstwerk” te creëren.
Após sua passagem pela Escola de Artes e Ofícios de Basileia, René Mayer procurou um emprego que lhe permitisse aprofundar sua concepção da dupla arte-artesanato. Ele entrou em contato com Hans Hinz (1913-2008), um grande especialista em fotografia de obras de arte. No seu estúdio em Basileia, Hinz treinou cerca de vinte jovens nessa técnica complexa. René Mayer foi um deles. Nessa função, ele o assistiu em sessões de fotografia em museus tão famosos quanto o Prado de Madrid – onde tiveram que trabalhar à noite, com o museu fechado (esperando a saída do último visitante para montar os projetores e a câmara fotográfica profissional) sob o controle de seguranças que garantiam que não causassem danos nem cometessem roubos…! Essa experiência tornou René Mayer sensível à complexidade das obras-primas da pintura clássica – à precisão e habilidade de sua concepção, bem como à riqueza e sutileza de suas cores. O vocabulário de René Mayer foi enriquecido com novas palavras – novos conceitos: colorimetria, densidade, luminância, balanço cromático. René Mayer descobriu que havia um universo tecnicamente muito complexo por trás da cena descrita pela pintura. Ao mesmo tempo, ele se familiarizou com conceitos como a estrutura das telas, a composição física das cores, o toque do pintor – e a evolução física da pintura resultante do envelhecimento e da poluição. Ele descobriu que fotografar um quadro de Velázquez ou Goya não era de forma alguma a mesma coisa que fotografar uma obra de Tintoretto ou Caravaggio. E que fotografar Picasso ou Braque cubista era algo completamente diferente…
Essa experiência foi extremamente útil para ele quando ingressou como fotógrafo na agência de publicidade Hans Looser, em Zurique, conhecida por sua criatividade.
As fontes de inspiração de René Mayer foram moldadas pelas aprendizagens de sua juventude e por suas paixões. Naturalmente, ao longo dos anos, essas fontes se multiplicaram e diversificaram. Hoje, o horizonte artístico e cultural de René Mayer é muito mais amplo e profundo do que há cinquenta anos – ele se interessa tanto por artistas como Nicola De Maria e Anselm Kiefer, Mark Rothko e Valeri Adami, para citar apenas alguns nomes ao acaso. No entanto, ele permanece fiel às grandes orientações que escolheu no início de sua carreira artística.
