A un interlocutore che gli chiedeva “Cosa educa e istruisce?” (“Was bildet?”), il grande pedagogo tedesco Hartmut von Hentig rispose “Tutto!” (“Alles bildet!”). L’elegante semplicità di questa risposta è sconcertante per due motivi. Innanzitutto perché respinge nettamente le tentazioni dell’elitismo affermando chiaramente che tutto, sì tutto, anche le banalità, educa e istruisce! In secondo luogo, perché ci ricorda che non c’è una, ma una miriade di modi per istruirsi. Concetti educativi e d’istruzione molto vari ci vengono proposti dalle innumerevoli culture che plasmano l’essere e il divenire della civiltà – il volto dell’umanità. Educare e istruire, quindi, non significa semplicemente riversare conoscenza su ignoranti più o meno motivati, ma incitare a guardare anziché accontentarsi di vedere, ad ascoltare anziché limitarsi ad udire, a diventare attori anziché restare spettatori della vita – la propria e quella degli altri. In breve, ad agire.
Alcuni si chiederanno se von Hentig non suggerisca implicitamente che, in ultima analisi, e salvo eccezioni, siamo solo il soggetto, l’oggetto e il risultato delle correnti sociali, culturali, economiche e politiche che condizionano il mondo e a cui ci sottomettiamo più o meno (in)consciamente. Il pedagogo non insinua forse che queste correnti plasmano praticamente a nostra insaputa il nostro carattere e i nostri comportamenti? – Certamente no, poiché ciò equivale a negare il libero arbitrio, l’iniziativa personale e la responsabilità individuale. Dunque a dire esattamente il contrario di ciò che von Hentig voleva esprimere.
Affermare che tutto educa e istruisce è lanciare una sfida alla ragione e alla volontà di ciascuno: “Vedi: metto a tua disposizione tutto ciò che è necessario per la formazione della tua mente, lo sviluppo della tua intelligenza e la realizzazione della tua creatività. Ora è compito tuo scegliere la tua strada e andare avanti, con i mezzi che sono a tua disposizione e gli strumenti che ti offro! È tua responsabilità e sarà il tuo onore.”
Naturalmente, nessuno ha tenuto questo discorso pomposo e compassato al giovane René Mayer quando cercava a tentoni la sua strada. E lui stesso, pragmatico com’è, non avrebbe mai dissezionato, analizzato e riassunto così la sua situazione…! Ma il fatto è che ha vissuto, come tutti noi, più di una volta episodi di apprensione, incertezza e dubbio nel suo contesto familiare e sociale così come nel suo percorso scolastico e professionale. Momenti in cui si interrogava sulla pertinenza delle sue scelte, sulla validità delle sue competenze, sulla affidabilità dei suoi sentimenti. E successivamente sul significato e sulla qualità della sua arte. Tuttavia, questi momenti – che per altri sarebbero occasioni di rottura o quasi-rottura – non lo hanno mai spezzato. Anzi, lo hanno galvanizzato! Perché, senza esserne esplicitamente consapevole, viveva secondo la celebre formula di Friedrich Nietzsche: “Was mich nicht umbringt, macht mich stärker” (“Ciò che non mi uccide mi rende più forte”). La sua strategia? Affrontare la situazione, afferrare il problema, superare gli ostacoli, rimbalzare – vincere! C.q.f.d.
Con l’età matura, René Mayer non ha rallentato per ritirarsi nell’inconsistenza futile di un pensionamento dorato. Approfittando della sua esperienza di vita, ha continuato (e continua ancora) la sua ricerca umana e artistica, affrontando con entusiasmo costante, una fiducia mai scalfita e un ottimismo inossidabile le sfide che punteggiano il suo cammino. Una delle sue massime preferite non è forse “La passione non prende mai la sua pensione!”
Quando ci si pone un obiettivo, è altrettanto importante conoscere il proprio punto di partenza quanto sapere dove si vuole arrivare. Poiché c’è un percorso da definire e questo richiede punti di riferimento chiari. Tuttavia, molte persone si imbarcano sull’oceano della vita con l’ambizione di attraversarlo gloriosamente ma, per mancanza di punti di riferimento (e spesso anche di strumenti) necessari, si ritrovano a barcollare e a rotolare in mezzo al mare su canoe senza remi, senza timone, senza bussola e senza protezione contro le intemperie…
Abituato fin dall’infanzia a essere vigile e a contare solo su se stesso, René Mayer ha sviluppato in gioventù un pragmatismo umanistico basato su una concezione empirica e positiva, ma senza illusioni, del mondo. Questo realismo è accompagnato da una lucida percezione degli ostacoli e dei pericoli. Naturalmente ciò non implica che sia pavido. Anzi: essendo di temperamento ardimentoso, ha sempre considerato il rischio come un elemento stimolante, dinamizzante. Pertanto, quando René Mayer ha deciso di intraprendere l’arte, non si è semplicemente gettato a capofitto e a occhi chiusi nell’ignoto. Ha assunto un rischio calcolato – e in un certo senso ha stipulato un’assicurazione rischio fondando una piccola impresa dedicata all’arte della tavola, i cui ricavi avrebbero garantito la sicurezza finanziaria necessaria per dedicarsi serenamente alle sue sperimentazioni artistiche. Il concetto ha funzionato perfettamente. Grazie alla sua sempre vigile perspicacia, al suo contagioso entusiasmo e alla sua capacità di anticipare le tendenze, ma anche (se non soprattutto!) grazie alla gestione amministrativa e finanziaria molto oculata di Karin Bosshardt – la partner professionale, con cui ha fondato negli anni ’70 la Mayer & Bosshardt -, l’azienda si è affermata in pochi anni tra i leader del suo mercato. Nel 1990 diventa una società per azioni, con il nome di Mayer & Bosshardt AG.
Tutto ha avuto inizio negli anni ’60, quando René Mayer si è iscritto al corso preparatorio della Scuola di Arti Applicate di Basilea (oggi Scuola di Design). Il corso preparatorio è un corso propedeutico rivolto agli studenti provenienti dai gradi secondari I e II che desiderano formarsi nei campi dell’arte e del design. Esso fornisce agli studenti futuri le conoscenze necessarie per affrontare con successo le classi professionali delle scuole d’arte e mestieri.
L’insegnamento della Scuola di Arti Applicate è stato un vero detonatore per la creatività di René Mayer. È stato nei corsi e nei lavori pratici della scuola che ha scoperto tutto ciò che presto avrebbe segnato la sua arte, a cominciare dalla teoria dei colori del pittore e insegnante svizzero Johannes Itten (1888-1967), il cui cerchio cromatico è famoso in tutto il mondo. Le teorie dei colori descrivono sia l’effetto psicologico dei colori sull’essere umano sia spiegano come dominare i colori nella creazione artistica e grafica. Esistono numerose versioni, dovute ad autori così diversi come Isaac Newton, Wolfgang von Goethe, Wassily Kandinsky o Robert Delaunay. Ma è la teoria di Johannes Itten che ha impressionato maggiormente René Mayer. L’obiettivo di Itten, che fu “maestro” (questo era il titolo dato agli insegnanti) al Bauhaus di Weimar dal 1919 al 1923, era di liberare la creatività e sviluppare le competenze artigianali degli studenti. René Mayer, per il quale arte e artigianato vanno di pari passo, sottolinea ancora oggi l’importanza che questo insegnamento ha avuto sul suo sviluppo artistico. Johannes Itten concluse la sua carriera dirigendo la Scuola di Arti Applicate, il Museo delle Arti Applicate e la Scuola Professionale Tessile di Zurigo.
Durante il corso preparatorio, René Mayer notò che solo quattro o cinque dei suoi compagni si impegnavano appieno. Rapidamente individuato dagli insegnanti, questo piccolo gruppo è stato fortemente incoraggiato da loro. L’aiuto degli insegnanti si spiega in primo luogo dal fatto che essi stessi erano artisti e in secondo luogo dalla volontà della scuola di stimolare la creatività in tutte le sue forme, al fine di mantenere la sua difficile reputazione di pioniera. Questi insegnanti avevano seguito l’esempio e l’insegnamento di Joseph Beuys (1921-1986) che incoraggiava i suoi colleghi a dedicarsi all’insegnamento. Beuys, artista concettuale tedesco, membro del movimento Fluxus e professore all’Accademia di Belle Arti di Düsseldorf, negli anni ’60 iniziò una rivoluzione nella pedagogia dell’arte. Da un lato, accoglieva nei suoi corsi tutte le persone desiderose di dedicarsi all’arte, anche se non potevano vantare le qualifiche ufficialmente richieste, dall’altro, incoraggiava gli artisti a impegnarsi personalmente nell’insegnamento dell’arte, secondo la sua famosa formula: “Essere insegnante è la mia più grande opera d’arte”.
Lo scultore austriaco Alfred Gruber (1931-1972) fa parte di quegli insegnanti ispirati da Beuys. Era emigrato in Svizzera nel 1955 e si era stabilito a Dittingen, nel cantone di Basilea Campagna, con sua moglie – anche lei artista – Jacqueline Gruber nata Stieger. Alfred Gruber insegnava alla Scuola di Arti Applicate (oggi Scuola di Design) di Basilea a partire dal 1963. Quando la coppia Gruber lasciò Dittingen per il Regno Unito nel 1972, vendettero casa e laboratorio a un altro artista emigrato: il ceco Čeněk Pražák.
Alfred Gruber collaborò con lo scultore svizzero Albert Schilling (1904-1987) e con Hans Arp, detto Jean Arp (1886-1966), famoso in tutto il mondo per le sue sculture dalle forme organiche. Con sua moglie Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Jean Arp partecipò ai movimenti dada e surrealista. Il Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Strasburgo possiede numerose sue opere.
Insegnante altrettanto motivato quanto atipico, Alfred Gruber ospitava spesso durante il fine settimana discepoli nello studio che aveva costruito con il loro aiuto nel cuore della cava abbandonata di Schachental. Uno studio dove si discuteva con passione, si sperimentava con frenesia… e si festeggiava allegramente!
Oltre all’insegnamento generico della Scuola d’Arte e Mestieri di Basilea, è innegabilmente l’eredità del Bauhaus, come verbalizzata o concretizzata nella teoria dei colori di Johannes Itten, nella progettazione delle sedie di Marcel Breuer, nei principi architettonici di Ludwig Mies van der Rohe e nella razionalità degli oggetti d’uso comune o nella rigore delle opere d’arte di altri protagonisti del Bauhaus che hanno segnato più profondamente René Mayer.
Una piccola aneddoto su Marcel Breuer, che fu allievo e poi professore al Bauhaus. È il padre della famosa poltrona B3 “Wassily”, così chiamata perché sarebbe stata creata per Wassily Kandinsky che sognava una poltrona Chesterfield. Le poltrone Chesterfield sono pesanti e massicci seggi inglesi in pelle. Il B3 ha le dimensioni di un Chesterfield, ma è ultraleggero, essendo costruito in tubolare d’acciaio con sedile, schienale e braccioli in pelle. Breuer avrebbe regalato un B3 a Kandinsky dicendogli: “Ecco la tua Chesterfield. Ho solo eliminato tutto ciò che caratterizza la Chesterfield!”. Se non è vero è ben trovato…
Il Bauhaus è una scuola di architettura e arti applicate fondata nel 1919 a Weimar dall’architetto Walter Gropius. L’istituzione fu trasferita nel 1925 nel suo edificio emblematico di Dessau e infine esiliata nel 1932 a Berlino-Steglitz. Il suo ultimo direttore, Ludwig Mies van der Rohe, lo chiuderà nel 1933 sotto la pressione delle autorità naziste, che sospettavano in questa istituzione un focolaio di bolscevismo e di “arte degenerata”. L’attività del Bauhaus si articolava attorno a due credi che hanno fortemente influenzato René Mayer. Uno, formulato da Walter Gropius nel 1919, diceva: “Lo scopo di ogni attività plastica è la costruzione! […] Architetti, scultori, pittori, dobbiamo tutti tornare all’artigianato!”. Questa volontà di rivalutare le arti applicate, all’epoca considerate arti minori che non potevano vantare lo splendore, la nobiltà e il prestigio delle belle arti, è perfettamente in linea con il carattere di René Mayer, che afferma ancora oggi di essere fondamentalmente un artigiano.
Il secondo grande adagio del Bauhaus è stato formulato anche da Walter Gropius, ma nel 1923. Confermava la conversione dell’accademia allo stile industriale (oggi chiamato “design”), una disciplina che era ancora ai suoi albori e alla quale la produzione di massa – che divorava sempre più avidamente e senza vergogna mestieri considerati fino ad allora l’appannaggio dell’artigianato – prometteva un futuro luminoso. Il nuovo credo di Walter Gropius: “Arte e tecnica – una nuova unità” (« Kunst und Technik – eine neue Einheit »). È da questo adagio che sono nate le forme geometriche semplici, essenziali, che caratterizzano quello che talvolta viene chiamato lo “stile Bauhaus”. È in questa prospettiva che bisogna comprendere il suo interesse per artisti come Oskar Schlemmer, Kandinsky, Lyonel Feininger o Laszlo Moholy-Nagy, tutti passati per il Bauhaus.
Ma René Mayer non è solo un sostenitore della rigore geometrico. In contrasto con l’attrazione che prova per l’alleanza tra tecnica e design, apprezza anche il lato organico, biomorfico, dell’architettura antroposofica come realizzata da Rudolf Steiner nel Goetheanum (sede del movimento antroposofico e così chiamato in omaggio ai lavori scientifici di Goethe, che Steiner ammirava). Il Goetheanum, situato a Dornach, a una decina di chilometri da Basilea, è circondato da ville costruite nello stesso stile. René Mayer non condivide affatto la dottrina antroposofica di Rudolf Steiner, ma il concetto architettonico unico del “quartiere antroposofico” di Dornach lo ha affascinato. Una fascinazione che si è rafforzata quando ha visto con quale costanza le persone che vivono e lavorano in questi edifici dedicano il loro tempo libero all’arte. L’architettura antroposofica si inserisce nel movimento dell’architettura organica iniziato all’inizio del XX secolo negli Stati Uniti dal grande architetto Frank Lloyd Wright. L’obiettivo di Wright era quello di mettere l’architettura al servizio di una visione globale della vita – quindi promuovere un’architettura in cui arte, scienza e spiritualità si fondono in un’armonia di forma e funzione per generare un “opera d’arte totale”.
Dopo il suo periodo all’École des arts et métiers di Basilea, René Mayer cercò un impiego che gli permettesse di approfondire la sua concezione dell’accoppiata arte-artigianato. Così entrò in contatto con Hans Hinz (1913-2008), un grande esperto di fotografia d’arte. Nel suo studio a Basilea, Hinz formò una ventina di giovani in questa tecnica complessa. René Mayer era uno di loro. In questo ruolo, lo assistette in sessioni di fotografia in musei celebri come il Prado di Madrid, dove dovevano lavorare di notte, con il museo chiuso (dovevano aspettare che l’ultimo visitatore se ne andasse per installare proiettori e una camera fotografica professionale), sotto il controllo di guardie di sicurezza che si assicuravano che non causassero danni o commettessero furti…! Questa esperienza rese René Mayer sensibile alla complessità dei capolavori della pittura classica, alla rigore e all’abilità nella loro concezione, così come alla ricchezza e alla sottigliezza dei loro colori. Il vocabolario di René Mayer si arricchiva di nuove parole – nuove nozioni: colorimetria, densità, luminanza, bilanciamento del colore. René Mayer scopriva che dietro alla scena descritta dal dipinto si celava un universo tecnicamente molto complesso. Nel frattempo, si familiarizzava con concetti come la struttura delle tele, la composizione fisica dei colori, il tocco del pittore e l’evoluzione fisica del dipinto conseguente all’invecchiamento e all’inquinamento. Scopriva che fotografare un dipinto di Velasquez o di Goya non era affatto la stessa cosa che fotografare un’opera del Tintoretto o del Caravaggio. E che fotografare i cubisti di Picasso o Braque era ancora un’altra cosa…
Questa esperienza gli fu estremamente utile quando entrò come fotografo al servizio di una rinomata agenzia pubblicitaria di Zurigo, nota per la sua creatività: la “Werbeagentur Hans Looser”.
Les fonti di ispirazione di René Mayer sono state plasmate dagli insegnamenti della sua giovinezza e dalle sue passioni. Naturalmente, nel corso degli anni, queste fonti si sono moltiplicate e diversificate. Oggi, l’orizzonte artistico e culturale di René Mayer è molto più ampio e profondo rispetto a cinquant’anni fa – è interessato tanto a un Nicola De Maria quanto a Anselm Kiefer, a Mark Rothko quanto a Valerio Adami, per citare solo alcuni nomi a caso. Tuttavia, è rimasto fedele alle grandi direzioni intraprese all’inizio della sua carriera artistica.
