Der große deutsche Pädagoge Hartmut von Hentig antwortete auf die Frage „Was bildet?“ mit einem klaren „Alles bildet!“ Diese elegante Einfachheit seiner Antwort überrascht aus zwei Gründen. Erstens, weil sie jegliche Versuchungen des Elitismus brüsk abweist und deutlich macht, dass alles, ja alles, einschließlich der Banalitäten, bildet und erzieht! Zweitens erinnert sie uns daran, dass es nicht nur eine, sondern eine Vielzahl von Möglichkeiten gibt, sich zu bilden. Die Konzepte von Bildung und Unterricht werden uns von den unzähligen Kulturen vorgeschlagen, die das Wesen und die Zukunft der Zivilisation – das Gesicht der Menschheit – formen. Zu bilden und zu unterrichten bedeutet also nicht einfach, Wissen über mehr oder weniger motivierte Unwissende auszugießen, sondern dazu anzuregen, zu sehen, anstatt nur zu schauen, zuzuhören, anstatt nur zu hören, zum Akteur zu werden, anstatt nur ein Zuschauer des Lebens – des eigenen und das anderer – zu bleiben. Kurz gesagt, zu handeln.
Einige werden sich fragen, ob von Hentig nicht indirekt darauf hinweist, dass wir letztlich, und bis auf wenige Ausnahmen, lediglich das Subjekt, das Objekt und das Ergebnis der sozialen, kulturellen, wirtschaftlichen und politischen Strömungen sind, die die Welt bestimmen und denen wir mehr oder weniger (un)bewusst unterliegen. Sollte der Pädagoge nicht darauf hindeuten, dass diese Strömungen praktisch unbemerkt unseren Charakter und unser Verhalten formen? – Sicherlich nicht, denn das würde die Willensfreiheit, die persönliche Initiative und die individuelle Verantwortung leugnen. Es würde also genau das Gegenteil dessen bedeuten, was von Hentig ausdrücken wollte.
Die Behauptung, dass alles erzieht und unterrichtet, stellt eine Herausforderung an die Vernunft und den Willen eines jeden dar: „Sieh: Ich stelle dir alles zur Verfügung, was für die Bildung deines Geistes, die Entwicklung deiner Intelligenz und die Entfaltung deiner Kreativität notwendig ist. Es liegt nun an dir, deinen Weg zu wählen und voranzugehen, mit den Mitteln, die dir zur Verfügung stehen, und den Instrumenten, die ich dir anbiete! Es ist deine Verantwortung und es wird deine Ehre sein.“
Natürlich hat niemand diese geschraubte und förmliche Rede an den jungen René Mayer gehalten, als er tastend seinen Weg suchte. Und er selbst, so pragmatisch wie er ist, hätte seine Situation nie so seziert, analysiert und zusammengefasst…! Aber die Tatsache ist, dass auch er, wie wir alle, mehrmals Momente der Angst, der Unsicherheit und des Zweifels in seinem familiären und sozialen Umfeld sowie in seinem schulischen und beruflichen Werdegang erlebt hat. Momente, in denen er seine Entscheidungen in Frage stellte, die Gültigkeit seiner Fähigkeiten, die Zuverlässigkeit seiner Gefühle. Und später den Sinn und die Qualität seiner Kunst. Diese Momente – die für andere Gelegenheiten zum Bruch oder zum fast Bruch wären – haben ihn jedoch nie gebrochen. Im Gegenteil: Sie haben ihn gestärkt! Denn ohne es ausdrücklich zu erkennen, lebte er nach dem berühmten Spruch von Friedrich Nietzsche: „Was mich nicht umbringt, macht mich stärker“. Seine Strategie? Die Situation in die Hand nehmen, das Problem erfassen, Hindernisse überwinden, zurückspringen – gewinnen! Q.e.d.
Mit zunehmendem Alter hat René Mayer nicht einen Gang zurückgeschaltet, um sich in der weichen und nutzlosen Unbeständigkeit eines goldenen Ruhestands zurückzuziehen. Basierend auf seinen Lebenserfahrungen hat er seine menschliche und künstlerische Suche fortgesetzt (und setzt sie immer noch fort), mit ständigem Enthusiasmus, nie gebrochenem Vertrauen und unerschütterlichem Optimismus, die Herausforderungen anzugehen, die seinen Weg säumen. Ist nicht eines seiner Lieblingsmottos „Die Leidenschaft geht nie in Rente!“
Wenn man sich ein Ziel setzt, ist es genauso wichtig, seinen Ausgangspunkt zu kennen wie zu wissen, wohin man gelangen möchte. Denn es gibt eine Route zu definieren, und diese erfordert klare Orientierungspunkte. Dennoch gibt es viele Menschen, die sich auf dem Ozean des Lebens mit dem Ehrgeiz einschiffen, ihn glorreich zu durchqueren, aber weil ihnen die notwendigen Orientierungspunkte (und oft auch die Instrumente) fehlen, finden sie sich torkelnd und orientierungslos mitten auf dem Meer wieder, in Booten ohne Ruder, ohne Steuerrad, ohne Kompass und ohne Schutz vor den Launen des Wetters…!
Aufgewachsen und daran gewöhnt, wachsam zu sein und nur auf sich selbst zu zählen, entwickelte René Mayer in seiner Jugend einen humanistischen Pragmatismus, der auf einem zugleich empirischen und positiven, aber illusionslosen Weltbild beruht. Dieser Realismus geht einher mit einem klaren Verständnis von Hindernissen und Gefahren. Natürlich bedeutet das nicht, dass er ängstlich ist. Im Gegenteil: Als jemand, der bereit ist, voranzugehen, betrachtete er Risiken immer als anregend und dynamisierend. Also, als René Mayer sich entschied, sich der Kunst zu widmen, stürzte er sich nicht einfach blindlings ins Unbekannte. Er ging ein kalkuliertes Risiko ein – und schloss sozusagen eine Risikoversicherung ab, indem er ein kleines Unternehmen gründete, das sich auf Tischkunst spezialisierte, dessen Einnahmen ihm die finanzielle Sicherheit verschaffen sollten, um sich unbesorgt seinen künstlerischen Experimenten widmen zu können. Das Konzept funktionierte perfekt. Dank seiner immer wachsamen Einsicht, seines mitreißenden Enthusiasmus und seiner Fähigkeit, Trends vorherzusehen, aber auch (oder vor allem!) dank des sehr vorausschauenden administrativen und finanziellen Managements von Karin Bosshardt – der Geschäftspartnerin, mit der er in den 1970er Jahren Mayer & Bosshardt gründete – etablierte sich das Unternehmen innerhalb weniger Jahre als Marktführer. Es wurde 1990 in eine Aktiengesellschaft umgewandelt, unter dem Namen Mayer & Bosshardt AG.
Alles begann in den 1960er Jahren, als René Mayer sich für den Vorkurs an der Schule für Gestaltung in Basel (heute Designschule) einschrieb. Der Vorkurs ist ein propädeutischer Kurs für Schülerinnen und Schüler der Sekundarstufen I und II, die sich in den Bereichen Kunst und Design ausbilden möchten. Er vermittelt den zukünftigen Studierenden das erforderliche Wissen, um erfolgreich die professionellen Klassen an Kunst- und Handelsschulen zu absolvieren.
Der Unterricht an der Schule für Gestaltung war ein echter Katalysator für René Mayers Kreativität. In den Kursen und praktischen Arbeiten der Schule entdeckte er alles, was bald seine Kunst prägen sollte, angefangen bei der Farbtheorie des Schweizer Malers und Lehrers Johannes Itten (1888-1967), dessen Farbkreis weltweit berühmt ist. Farbtheorien beschreiben einerseits die psychologische Wirkung von Farben auf den Menschen und erklären andererseits, wie man Farben in der künstlerischen und grafischen Gestaltung beherrschen kann. Es gibt viele verschiedene Versionen, von Autoren wie Isaac Newton, Wolfgang von Goethe, Wassily Kandinsky oder Robert Delaunay. Aber die Theorie von Johannes Itten hat René Mayer am meisten beeindruckt. Ittens Ziel, der von 1919 bis 1923 „Meister“ (so wurde den Lehrern am Bauhaus in Weimar genannt) war, war es, die Kreativität zu befreien und die handwerklichen Fähigkeiten der Studierenden zu entwickeln. René Mayer, für den Kunst und Handwerk Hand in Hand gehen, betont auch heute noch die Bedeutung dieser Ausbildung für seine künstlerische Entwicklung. Johannes Itten beendete seine Karriere als Leiter der Schule für Gestaltung, des Museums für Gestaltung und der Textilschule in Zürich.
Im Verlauf des Vorkurses bemerkte René Mayer, dass nur vier oder fünf seiner Mitschüler sich voll engagierten. Dieser kleine Kreis, der von den Lehrern schnell identifiziert wurde, wurde stark von ihnen gefördert. Die Hilfe der Lehrer erklärt sich zum einen dadurch, dass sie selbst Künstler waren, und zum anderen durch den Wunsch der Schule, Kreativität in allen Formen zu fördern, um ihren hart erkämpften Ruf als Pionierin zu erhalten. Diese Lehrer hatten dem Beispiel und der Aufforderung von Joseph Beuys (1921-1986) folgt, der seine Kollegen dazu ermutigte, sich in der Lehre zu engagieren. Beuys, ein deutscher Konzeptkünstler, Mitglied der Fluxus-Bewegung und Professor an der Kunstakademie Düsseldorf, leitete in den 1960er Jahren eine Revolution in der Kunstpädagogik ein. Einerseits nahm er in seinen Kursen alle auf, die sich der Kunst widmen wollten, auch wenn sie nicht die offiziell erforderlichen Qualifikationen vorweisen konnten, andererseits ermutigte er die Künstler, sich persönlich in die Kunstlehre einzubringen, gemäß seinem berühmten Ausspruch: „Lehrer zu sein ist mein größtes Kunstwerk“.
Der österreichische Bildhauer Alfred Gruber (1931-1972) war einer dieser Lehrer, die von Beuys inspiriert wurden. Er war 1955 in die Schweiz ausgewandert und hatte sich mit seiner Frau – ebenfalls eine Künstlerin – Jacqueline Gruber, geborene Stieger, in Dittingen im Kanton Basel-Landschaft niedergelassen. Alfred Gruber unterrichtete ab 1963 an der Schule für Gestaltung (heute Designschule) in Basel. Als das Gruber-Paar 1972 Dittingen verließ und nach Großbritannien zog, übergaben sie Haus und Atelier einem anderen ausgewanderten Künstler: dem Tschechen Čeněk Pražák.
Alfred Gruber arbeitete mit dem Schweizer Bildhauer Albert Schilling (1904-1987) und Hans Arp, genannt Jean Arp (1886-1966), zusammen, der weltweit für seine organischen Skulpturen bekannt ist. Zusammen mit seiner Frau Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) nahm Jean Arp an der Dada-Bewegung teil und wurde später zum Surrealismus. Das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Straßburg besitzt viele seiner Werke.
Als motivierter und unkonventioneller Lehrer lud Alfred Gruber oft am Wochenende Schüler in sein Atelier ein, das er mit ihrer Hilfe inmitten des verlassenen Steinbruchs von Schachental errichtet hatte. Ein Atelier, in dem leidenschaftlich diskutiert, experimentiert und fröhlich gefeiert wurde!
Neben dem generischen Unterricht an der Schule für Gestaltung in Basel war es zweifellos das Erbe des Bauhauses, wie es in der Farbtheorie von Johannes Itten, im Design von Marcel Breuers Stühlen, in den architektonischen Prinzipien von Ludwig Mies van der Rohe und in der Rationalität von Gebrauchsgegenständen oder der Strenge der Kunstwerke anderer Bauhaus-Protagonisten verbalisiert oder verkörpert wurde, das René Mayer am tiefsten geprägt hat.
Eine kleine Anekdote über Marcel Breuer, der Schüler und später Professor am Bauhaus war: Er ist der Vater des berühmten B3 „Wassily“ -Stuhls, so benannt, weil er angeblich für Wassily Kandinsky entworfen wurde, der von einem Chesterfield-Sessel träumte. Chesterfield-Sessel sind massive und schwere englische Ledersessel. Der B3 hat die Abmessungen eines Chesterfield-Sessels, ist jedoch ultraleicht, da er aus Stahlrohr mit einem Ledersitz, einer Rückenlehne und Armlehnen besteht. Breuer soll Kandinsky einen B3 geschenkt haben und gesagt haben: „Hier ist dein Chesterfield. Ich habe einfach alles entfernt, was den Chesterfield ausmacht!“ Ob es wahr ist oder nicht, es ist gut gefunden…
Das Bauhaus war eine Schule für Architektur und angewandte Kunst, die 1919 in Weimar vom Architekten Walter Gropius gegründet wurde. Die Institution wurde 1925 in ihr ikonisches Gebäude in Dessau verlegt und schließlich 1932 nach Berlin-Steglitz verbannt. Ihr letzter Direktor, Ludwig Mies van der Rohe, schloss sie 1933 unter dem Druck der Nazi-Behörden, die in dieser Institution ein Zentrum des Bolschewismus und der „entarteten Kunst“ vermuteten. Die Aktivitäten des Bauhauses waren von zwei Maximen geprägt, die René Mayer stark beeinflusst haben. Die eine, von Walter Gropius im Jahr 1919 formuliert, besagte: „Das Ziel aller bildenden Tätigkeit ist der Bau! […] Architekten, Bildhauer, Maler, wir alle müssen zurück zum Handwerk!“. Dieser Wille zur Wiederbelebung der angewandten Kunst, die damals als minderwertig angesehen wurde und nicht das Glanzlicht, den Adel und das Ansehen der schönen Künste haben konnte oder haben sollte, entspricht voll und ganz René Mayers Wesen, der auch heute noch behauptet, im Herzen ein Handwerker zu sein.
Die zweite wichtige Maxime des Bauhauses wurde ebenfalls von Walter Gropius formuliert, aber 1923. Sie sah die Umstellung der Akademie auf industrielle Gestaltung (heute „Design“) vor, eine Disziplin, die sich noch in den Anfängen befand und der Massenproduktion – die immer gieriger und unverschämter die bis dahin als das Vorrecht des Handwerks angesehenen Berufe verschlang – eine glänzende Zukunft versprach. Das neue Credo von Walter Gropius: „Kunst und Technik – eine neue Einheit“. Aus diesem Leitspruch entstanden die simplen, reduzierten geometrischen Formen, die oft als „Bauhaus-Stil“ bezeichnet werden. Es ist auch in dieser Hinsicht zu verstehen, warum er Interesse an Künstlern wie Oskar Schlemmer, Kandinsky, Lyonel Feininger oder Laszlo Moholy-Nagy zeigte, die alle am Bauhaus tätig waren.
Aber René Mayer ist nicht nur Anhänger geometrischer Strenge. Im Gegensatz zur Anziehungskraft, die er für die Verbindung von Technik und Design empfindet, schätzt er auch die organische, biomorphe Seite der anthroposophischen Architektur, wie sie von Rudolf Steiner im Goetheanum umgesetzt wurde (dem Sitz der anthroposophischen Bewegung, benannt nach Goethes wissenschaftlichen Arbeiten, die von Steiner bewundert wurden). Das Goetheanum, das sich in Dornach, etwa zehn Kilometer von Basel entfernt, befindet, ist von Villen im selben Stil umgeben. René Mayer teilt keineswegs die anthroposophische Lehre von Rudolf Steiner, aber das einzigartige architektonische Konzept des „anthroposophischen Viertels“ in Dornach hat ihn fasziniert. Diese Faszination verstärkte sich, als er sah, mit welcher Beständigkeit die Menschen, die in diesen Gebäuden lebten und arbeiteten, ihre Freizeit der Kunst widmeten. Die anthroposophische Architektur steht in der Tradition der organischen Architektur, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den USA vom renommierten Architekten Frank Lloyd Wright eingeleitet wurde. Wrights Ziel war es, Architektur in den Dienst einer ganzheitlichen Lebensvision zu stellen – also eine Architektur zu fördern, in der Kunst, Wissenschaft und Spiritualität sich in einer Harmonie von Form und Funktion vereinen, um ein „Gesamtkunstwerk“ zu schaffen.
Nach seinem Abschluss an der École des arts et métiers in Basel suchte René Mayer nach einer Anstellung, die es ihm ermöglichen würde, sein Verständnis für die Verbindung von Kunst und Handwerk zu vertiefen. Dabei kam er in Kontakt mit Hans Hinz (1913-2008), einem renommierten Spezialisten für die Fotografie von Kunstwerken. In Hinz‘ Atelier in Basel wurden etwa zwanzig junge Menschen in dieser komplexen Technik ausgebildet, darunter auch René Mayer. In dieser Funktion assistierte er bei Fotoshootings in renommierten Museen wie dem Prado in Madrid – wo sie nachts arbeiten mussten, wenn das Museum geschlossen war (sie mussten auf den letzten Besucher warten, um Scheinwerfer und professionelle Kameras aufzustellen), unter der Aufsicht von Wachleuten, die darauf achteten, dass sie keinen Schaden anrichteten oder Diebstähle begingen…! Diese Erfahrung sensibilisierte René Mayer für die Komplexität der Meisterwerke der klassischen Malerei – für die Präzision und Geschicklichkeit ihrer Gestaltung sowie für die Vielfalt und Feinheit ihrer Farben. Sein Vokabular wurde um neue Wörter und Konzepte erweitert: Farbmessung, Dichte, Luminanz, Farbbalance. René Mayer erkannte, dass sich hinter der Szene, die das Gemälde beschrieb, ein technisch äußerst komplexes Universum verbarg. Gleichzeitig lernte er Begriffe wie die Struktur der Leinwand, die physikalische Zusammensetzung der Farben, die Berührung des Malers – und die physische Entwicklung des Gemäldes im Laufe der Zeit durch Alterung und Verschmutzung kennen. Er entdeckte, dass das Fotografieren eines Gemäldes von Velasquez oder Goya ganz anders war als das Fotografieren eines Werkes von Tintoretto oder Caravaggio. Und dass das Fotografieren von Werken von Picasso oder Braque im Kubismus noch etwas ganz anderes war… Diese Erfahrung war äußerst hilfreich, als er als Fotograf bei einer renommierten Werbeagentur in Zürich begann, die für ihre Kreativität bekannt war: die „Werbeagentur Hans Looser“.
Die Quellen der Inspiration von René Mayer wurden durch seine Lernerfahrungen in seiner Jugend und durch seine persönlichen Vorlieben geprägt. Natürlich haben sich im Laufe der Jahre diese Quellen vervielfacht und diversifiziert. Heute ist René Mayers künstlerisches und kulturelles Horizont viel breiter und tiefer als vor fünfzig Jahren – er interessiert sich sowohl für einen Nicola De Maria als auch für Anselm Kiefer, für Mark Rothko ebenso wie für Valerio Adami, um nur einige Namen zu nennen. Aber er ist den großen Richtungen treu geblieben, die er zu Beginn seiner künstlerischen Karriere eingeschlagen hat.
