Die abstrakte Kunst von heute ist mit der Tradition des 20. Jahrhunderts verwandt, fügt aber gleichzeitig neue Elemente in sie ein. Während das Bild in der figurativen Malerei eine eindeutige Sprache spricht und unmittelbar mit der Realität in den Dialog tritt, gibt die Abstraktion, obwohl sie sich durch Zeichen und Symbole bewegt, nicht auf, etwas sagen zu wollen, und zwar auf einem beschwerlicheren, aber in gewisser Weise sogar interessanteren Weg. Schauen Sie sich nur Stranieri ovunque (Fremde überall) an, die von Adriano Pedrosa kuratierte Titelausstellung der Kunstbiennale von Venedig: Die abstrakte Malerei ist nach wie vor ein Protagonist in der Suche von Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt, viele davon aus dem so genannten globalen Süden. In ihren Werken reflektieren die chromatische Textur, die Zeichen oder gestischen Interventionen gleichzeitig Themen an den Grenzen der sozialen und politischen Analyse.
Auch wenn wir die zentrale Bedeutung der zweiten Phase der Abstraktion, die 1950 mit der Gründung der New York School begann, nicht in Abrede stellen, würden wir, wenn wir, wie es oft geschieht, bei ihren direkten Erben stehen bleiben, nur schwer die tiefgreifenden Veränderungen verstehen, die sie in die heutige Zeit gebracht haben. Ein wirklich grundlegender Text zur Entschlüsselung der Gegenwart ist Pepe Karmels Band L’arte astratta. Una storia globale, der 2021 in Italien bei Einaudi erschienen ist. Die These besteht darin, die kritische Perspektive auf die abstrakte Malerei gerade auf der Grundlage der Globalisierung umzuwerfen. Es handelt sich dabei nicht nur um die amerikanische Kunst schlechthin, sondern um ein Phänomen, das sich überall ausbreitet und neben der individuellen (oder eher individualistischen) Perspektive des Malers auch soziale Erfahrungen einbezieht. Es geht also nicht nur um die geistige Überhöhung des Abstrakten, sondern auch um aktuelle Themen wie „die utopische Rationalität der Technokratie, die Euphorie der postkolonialen Unabhängigkeit, der Tumult der Globalisierung und der Schrecken der Militärdiktaturen“.
Reicht es also aus, die abstrakte Kunst auf die Realität zu reduzieren, um sie in unserer Zeit zu verorten? Bis zu einem gewissen Punkt, denn wie der Künstler und Historiker Roberto Floreani in seinem Essay Astrazione come resistenza (De Piante, 2021) schreibt, „mag die zeitgenössische Abstraktion… zurückgezogen, oft schweigend, manchmal unterirdisch erscheinen, obwohl sie auch heute noch in jedem Winkel der Welt ein konstantes und zuverlässiges Zeugnis ablegt, reich an einer Kontinuität, die sich der historischen Bedeutung ihres Ursprungs bewusst ist. Eine Abstraktion, die sich gemäss der Tradition in kleinen, bedächtigen, aber unaufhaltsamen Schritten bewegt, unterbrochen von einer Forschung, die sich meist auf erhellende Texte stützt: Mit gutem Grund kann man daher sagen, dass die Abstraktion heute eine selektive Kontinuität und konstante Zuverlässigkeit in der zeitgenössischen Welt geniesst“.
Das Werk des Schweizer Künstlers René Mayer, dessen fünfzigjährige Suche nach der Wiederholung des Bildes, die die Pop-Matrix nicht ausschliesst, zu interessanten Lösungen führt, insbesondere in dieser letzten Ausstellung, Schleichende Veränderung, die seine jüngsten Werke versammelt, ist somit voll und ganz Teil der Debatte über die Aktualität der abstrakten Malerei. Angefangen beim Titel, der absichtlich zweideutig ist, denn im italienischen Titel («Mutazioni furtive»), bedeutet das Wort «furtive» nicht nur etwas, das aus einem Diebstahl stammt, was sicher nicht der Fall ist, sondern auch „etwas, das heimlich und schnell geschieht, um zu verhindern, dass andere es bemerken“. Mayer lädt uns im Grunde dazu ein, sein Werk ganz genau zu betrachten: Von einer Passage zur nächsten ist der Unterschied sehr gering, aber wenn wir genau hinschauen, wird die Mutation offensichtlich und folglich auch die Wirkung. Etwas ist geschehen, ohne dass wir es bemerkt haben.
Mayer baut seine Bilder mit handwerklichem Geschick auf, in einer Übung einsamer Konzentration inmitten der erhabenen Landschaft der Langa Astigiana im südlichen Piemont, wohin er sich vor allem in der schönen Saison zurückzieht. Mayer rühmt sich einer Art produktiver Selbstgenügsamkeit, die es ihm erlaubt, dem Werk, das er Schicht für Schicht, Schritt für Schritt realisiert, von Angesicht zu Angesicht gegenüberzustehen. Er bearbeitet das Holz des Rahmens, breitet den Stoff aus und bereitet den Lack vor, Vorgänge, die der Künstler als rein handwerklich, „fast sinnlich“ beschreibt. Er legt den Rahmen waagerecht und verwendet Acryl, das er mit pulverförmigen Pigmenten mischt, um den gewünschten Effekt zu erzielen.
In der Serie Schleichende Veränderung wird ein einziger realer Gegenstand in grossen Mengen und in immer wiederkehrenden, seriellen, runden Formen verwendet: Der Plastikchip, der in Kasinos das Geld ersetzt. Die Wahl ist zweifellos von dem den Glücksspielen innewohnenden Begriff des Zufalls geleitet. Wer spielt, verlässt sich auf das Schicksal und die Vorsehung und begnügt sich nicht mit Logik und Vernunft. Man kann gewinnen, man kann verlieren, aber wenn man rechnet, gewinnt auf lange Sicht unweigerlich die Bank. Und für René ist die Bank die Realität, die Natur. Mayer erklärte: „Die Spielsteine symbolisieren die Verantwortungslosigkeit unserer Zivilisation. Wir spielen mit der Erde, als wäre sie ein Kasino, aber in diesem Spiel sind wir Verlierer“. Die Auswirkungen einer Niederlage, einer Katastrophe, nehmen wir nicht mit blossem Auge wahr, denn die Veränderungen sind schleichend und wir sind es nicht gewohnt, ihnen im Moment Aufmerksamkeit zu schenken, ja wir neigen dazu, sie herunterzuspielen. Aber wenn wir innehalten, um darüber nachzudenken, hat sich bereits etwas in Bewegung gesetzt, und es wird schwierig, zur vorher festgelegten Ordnung zurückzukehren. Im Kasino würde man sagen „les jeux sont faits“.
Oberflächlich betrachtet handelt es sich bei Mayer lediglich um abstrakte Malerei, doch wie Karmel in seinem oben erwähnten Essay betont, muss die zeitgenössische Kunst in eine breitere Debatte eingreifen, ebenso wie andere explizitere Kunstformen wie die Figuration, die Installation oder die Fotografie. Mayer stellt vor allem das Thema Umwelt in den Mittelpunkt seiner Überlegungen und vergleicht die unmerklichen schleichenden Veränderungen mit jenen kleinen alltäglichen Verhaltensweisen, denen wir keine besondere Aufmerksamkeit schenken und die sich stattdessen, wenn wir sie fein säuberlich, wie Chips aneinanderreihen, als Mitursache zahlreicher vermeidbarer Katastrophen erweisen. Mayers Kunst appelliert daher an unsere Selbstverantwortung. Ohne bombastische Deklarationen und Proklamationen präsentiert uns Mayer ein helles, buntes, angenehmes Universum. Sein. Sein Werk befriedigt diejenigen, die auf der Suche nach guter Malerei sind. Das mag genügen, aber nein, subtil fordert es uns auf, mit ethischem Verhalten wachsam zu sein. Das ist die Verpflichtung seiner Malerei, die Reflexion eines erfahrenen und reifen Künstlers, der einmal mehr auf die Frage nach dem Erhabenen in der Natur verweist, auf die Idee der Schönheit, die immer eine Tücke birgt, auch wenn wir sehr aufmerksam sein müssen, um sie zu erkennen. Man braucht keinen Sturm oder Flutwelle: Es genügen kleine, bunte Spielsteine, die aneinandergereiht werden, um uns zu fragen, ob wir nicht besser sein könnten.
